Tào Tuấn Linh – Hành trình từ kiến trúc đến hội họa sơn mài đương đại

Bài phỏng vấn độc quyền COOKOO về họa sĩ Tào Tuấn Linh – nghệ sĩ sơn mài Việt Nam, người có hành trình đặc biệt từ kiến trúc, thiết kế đồ họa, motion graphics, game art director đến hội họa truyền thống.

Tiểu sử và nền tảng nghệ thuật

Tào Tuấn Linh sinh ra tại Hải Phòng, tốt nghiệp Đại học Xây dựng chuyên ngành kiến trúc, sau đó học thiết kế hình ảnh và đồ họa chuyển động tại New Zealand. Anh từng làm việc trong lĩnh vực thiết kế, game và giảng dạy mỹ thuật trước khi chuyển hướng hoàn toàn sang sơn mài.

Sơn mài Việt Nam và phong cách sáng tác

Tranh sơn mài của Tào Tuấn Linh tập trung vào con người, cảm xúc và sự thân mật, khai thác các trạng thái tự nhiên và chân thật. Anh sử dụng đa dạng chất liệu như sơn ta, vàng, bạc, vỏ trứng, đá và các lớp mài thủ công để tạo nên chiều sâu và hiệu ứng thị giác độc đáo.

Quá trình sáng tác và kỹ thuật sơn mài

Sơn mài là chất liệu đòi hỏi sự kiên nhẫn, kiểm soát và tư duy ngược trong quá trình sáng tác. Mỗi tác phẩm là sự kết hợp giữa phác thảo ý tưởng và quá trình mài nhiều lớp phức tạp, nơi nghệ sĩ phải tính toán chính xác thứ tự vật liệu và kỹ thuật xử lý bề mặt.

Quan điểm nghệ thuật

Tào Tuấn Linh theo đuổi hội họa biểu hiện, chú trọng cảm xúc hơn là mô tả hình thức. Anh đề cao sự hồn nhiên trong sáng tạo và tin rằng mỗi tác phẩm có nhiều đời sống thông qua cách cảm nhận khác nhau của người xem.

Đóng góp và định hướng tương lai

Trong những năm gần đây, Tào Tuấn Linh đã sáng tác hàng trăm tác phẩm sơn mài và tiếp tục phát triển con đường nghệ thuật cá nhân. Anh đồng thời quan tâm đến việc phát triển hệ thống kiến thức và tương lai của sơn mài Việt Nam đương đại.

Từ khóa: Tào Tuấn Linh, họa sĩ sơn mài Việt Nam, tranh sơn mài, hội họa đương đại, lacquer painting Vietnam, Vietnamese artist, art interview COOKOO, nghệ thuật Việt Nam.

COOKOO SPECIAL INTERVIEW Trong rất nhiều cuộc trò chuyện về nghệ sĩ, người ta thường nhắc đến những khúc rẽ mang tính “định mệnh”: một chuyến đi, một cuộc gặp, một biến cố. Với họa sĩ Tào Tuấn Linh, sinh ra trong một gia đình ba đời làm nghệ thuật, khúc rẽ của anh lại giống một quỹ đạo trôi dài: từ kiến trúc, đồ họa, thiết kế game, giảng dạy, để rồi cuối cùng dừng lại trước tấm vóc sơn mài. Có lẽ nếu nhìn từ xa, đó là một vòng cung hoàn chỉnh - nơi mỗi chặng đường tưởng như rời rạc, cuối cùng lại dẫn anh trở về đúng chất liệu đã nằm trong máu mình từ bé.

Họa sĩ Tào Tuấn Linh sinh ra và lớn lên ở Hải Phòng. Anh theo học Khoa Kiến trúc, Đại học Xây dựng, tốt nghiệp năm 2005, nơi anh được tiếp cận một cách bài bản với các nguyên lý tạo hình, tư duy không gian, với cách tổ chức hình khối, ánh sáng, tỷ lệ. Rời trường kiến trúc, Linh không lao ngay vào các văn phòng thiết kế như nhiều bạn cùng khóa, anh tiếp tục mở rộng “thế giới thị giác” của mình bằng việc sang New Zealand học thiết kế hình ảnh và thiết kế đồ họa chuyển động.

Những năm ở đó không chỉ đem đến cho anh kỹ năng về motion graphics, về cách hình và chữ chuyển động trên màn hình, mà còn mở ra một hệ quy chiếu mới: ý thức bảo tồn, phát triển, cách người ta hệ thống hóa tri thức, cách một nền giáo dục nhìn nghệ thuật vừa như di sản, vừa như ngành công nghiệp sáng tạo.

Năm 2011, anh trở về Việt Nam. Từ đó cho đến trước khi chuyên tâm với tranh, Linh đi qua rất nhiều vai trong cuộc đời: làm đồ họa, tham gia các dự án game, đến giảng dạy mỹ thuật công nghiệp tại Đại học Hòa Bình và FPT Arena. Một trong những dấu mốc đáng nhớ nhất của giai đoạn này là việc anh giữ vai trò Art Director cho “Hoa” - tựa game độc lập hiếm hoi của Việt Nam được cộng đồng quốc tế chú ý, nơi mỹ thuật đóng vai trò gần như là linh hồn của sản phẩm với những hình ảnh mềm mại, giàu chất hoài niệm, mang một thế giới nội tâm có phần dịu dàng và mơ mộng.

Nhìn bề ngoài, đó là một lộ trình khá “hợp thời”: một người được đào tạo bài bản ở nước ngoài, am hiểu công nghệ, có những thành tựu nhất định, hòa nhập với nhịp thay đổi chóng mặt của thị trường. Thế nhưng, chính lúc ở sâu trong “thế giới digital” ấy, anh bắt đầu thấy mình… mệt. Phần mềm mới, quy chuẩn mới, xu hướng mới, yêu cầu làm nhanh hơn, nhiều hơn… tất cả khiến anh bắt đầu đặt câu hỏi:

“Mình còn thật sự thuộc về thế giới này không?”

Khát khao “quay về truyền thống” - vốn đã âm ỉ từ rất sớm - dần trở thành một thôi thúc rõ ràng trong anh. Từ bé, Linh đã bị hấp dẫn bởi mùi sơn, bởi những tấm vóc, nhưng suốt nhiều năm anh chỉ chạm vào chúng từ xa: sơn dầu có một chút, màu nước đôi lần, bột màu cũng thử nhưng đều dang dở. Phải đến khoảng tháng 4 năm 2023, khi Linh quyết định dừng hẳn những công việc “phái sinh” khác, và dành toàn bộ thời gian cho sơn mài, hội hoạ lúc ấy mới trở thành một lựa chọn
thật sự.

Từ 2023 đến nay, anh gần như dành trọn thời gian cho tranh sơn mài. Chỉ trong vòng khoảng ba năm, anh đã làm xấp xỉ một trăm bức, gồm cả tranh sáng tác lẫn tranh đặt hàng. Quyết định dừng ở sơn mài, nếu nhìn lại, không phải một cú rẽ đột ngột của anh, mà là kết quả của cả một quỹ đạo dài, nơi mọi trải nghiệm tưởng chừng như lạc đề - kiến trúc, đồ họa, game, giảng dạy - đều đổ dồn về một điểm: tấm vóc phẳng, bóng và nhiều tầng trầm tích của sơn mài.

Nếu kiến trúc và đồ họa từng cho Linh bộ khung tạo hình đủ vững để bước vào lĩnh vực thị giác, thì sơn mài lại mở ra cho anh một thế giới hoàn toàn khác, một thế giới mà mọi đường nét đều phải được xây dựng từ sự kiên nhẫn, từ kỷ luật và từ khả năng kiểm soát gần như tuyệt đối. “Khó nhất ở sơn mài là sự kiên nhẫn và khả năng kiểm soát”, Linh chia sẻ. Một bức tranh sơn mài, để hoàn thiện, không chỉ đòi hỏi khả năng hình dung về hình và màu, mà còn là chuỗi quyết định mang tính kỹ thuật đòi hỏi khả năng kiểm soát chặt chẽ: vẽ gì trước, vẽ gì sau, dùng chất liệu gì cho lớp nào, độ dày mỏng ra sao, mài đến đâu
thì dừng. Sơn mài không cho phép sửa sai nhiều lần như sơn dầu, cũng không dễ dàng thử - xóa - làm lại như digital; mọi quyết định đều phải được định hình trong đầu từ trước. Vỏ trứng, chẳng hạn, nếu được đặt dày phải tính toán để mài trước; vàng bạc thì phải để sau vì quá mỏng, chỉ cần sai lực mài là biến mất. Ngay cả chuyện mài bằng đá hay giấy ráp cũng không đơn giản: mỗi loại đá, mỗi loại giấy có độ nhám khác nhau, và người họa sĩ phải biết chọn công cụ phù hợp với dụng ý nghệ thuật của mình.

Và có lẽ cũng chính vì thế mà Linh nhấn mạnh: “Vẽ sơn mài là vẽ ngược”. Trong chất liệu này, phác thảo không chỉ là bước khởi động mà là giai đoạn người họa sĩ được tự do nhất, nơi họ có thể để ý tưởng tuôn chảy, thử nghiệm, biến đổi mà không bị ràng buộc. Nhưng ngay khi bắt tay vào thực hiện, sự tự do ấy lập tức nhường chỗ cho sự tính toán tỉ mỉ: càng đi sâu vào quy trình, mọi quyết định càng phải chính xác, rõ ràng, và giảm thiểu sai lệch tối đa.

Thế nhưng, dù đòi hỏi nhiều tính toán là vậy, trong lựa chọn vật liệu, Linh không hề câu nệ theo những “nguyên tắc sơn mài” như phải có vỏ trứng, vỏ trai, vàng, bạc… cho “đúng bài”. Anh sử dụng bất kỳ chất liệu nào anh thích và cảm thấy phù hợp với nhãn quan thẩm mỹ của mình: từ sơn then, son ta, vàng, bạc đến trứng, trai, đá hay chu sa. Nhưng nếu chỉ dừng ở kỹ thuật như vậy, bộ môn sơn mài này sẽ chẳng khác nào một chuỗi thao tác. Điều khiến chất liệu này trở thành “món tủ” của Linh lại nằm ở cách anh dùng nó để kể những câu chuyện
rất riêng.

Câu chuyện mà tranh của Tào Tuấn Linh quay đi quay lại nhiều nhất là về con người. Cụ thể là con người trong những trạng thái trần trụi, nhiều khi là trần truồng. Loạt sáu bức “Xuân Họa” chẳng hạn, là những khoảnh khắc thân mật về thể xác, những thời khắc thăng hoa mà hai con người buông hết phòng vệ. Với Linh, đó không phải là sự khoe khoang cơ thể hay tả cảnh nhục cảm, mà đó là cách đặt câu hỏi về mức độ tin tưởng, yêu thương: phải gần gũi và an toàn đến đâu, con người ta mới dám bộc lộ hết mình trước người khác.

Chính sự quan sát những khoảnh khắc rất nhỏ và mong manh như vậy đã kéo Linh về gần hơn với hội họa biểu hiện, nơi trọng tâm không phải tái hiện bề mặt của sự vật, mà là giữ lại cảm giác mà nó tạo ra. Anh nhận ra mình không nhất thiết phải tìm một tầng nghĩa ẩn dụ hay xây dựng hệ thống biểu tượng phức tạp cho bức tranh mà chỉ riêng việc lưu giữ một hình ảnh đúng lúc, đúng trạng thái, đã là đủ. Sơn mài, với độ bất định cố hữu của nó, trở thành chất liệu lý tưởng để theo đuổi điều đó. Mỗi lớp sơn, mỗi lần mài đều chứa một phần không chắc chắn: người vẽ có thể hình dung, nhưng không thể kiểm soát tất cả, và sự “bất tuân” ấy là điều khiến bức tranh có đời sống riêng, vượt ra ngoài bản phác thảo và trở thành thứ gì đó nhiều hơn ý định ban đầu của tác giả.

Vì vậy, khi nói về tranh của mình, Linh không muốn dẫn người xem đi theo một đường ray cố định. Anh tránh giải thích chi li ý nghĩa từng hình tượng, từng mảng màu. Mỗi người xem mang theo một hệ nhãn quan, một kinh nghiệm sống, một sự nhạy cảm riêng; khi họ đối diện với bức tranh, những thứ đó sẽ tự động va chạm với hình ảnh trước mắt, tạo nên một lớp diễn giải mới, riêng biệt của họ. Một tác phẩm, theo anh, có nhiều đời sống: đời sống trong studio, đời sống trong mắt người xem, đời sống trong không gian nó được treo, và mỗi lớp diễn giải trong từng đời sống ấy, dù giống hay khác ý anh, đều là một phần tất yếu của vòng đời tác phẩm.

Với sáng tạo nói chung và với sơn mài nói riêng, Tào Tuấn Linh luôn có trong mình một thái độ mà anh xem là cốt lõi: giữ cho nghệ thuật sự hồn nhiên. Hồn nhiên ở đây không phải sự non nớt, mà là khả năng nhìn vào chất liệu và vào chính mình bằng đôi mắt không toan tính, không bị dẫn dắt bởi kỳ vọng bên ngoài. Vì thế, khi được hỏi thế nào là một bức tranh “thành công”, anh không nói đến triển lãm, giải thưởng hay giá bán. Câu hỏi đầu tiên anh tự đặt cho mình luôn là: mình có thật sự thích bức tranh này không? Nếu bản thân không cảm thấy đồng điệu với tác phẩm mình làm ra, những giá trị khác - thẩm mỹ, kinh tế hay di sản - đều trở nên mong manh.

Tất nhiên, để đi đến được sự bình thản đó không dễ. Gia đình, đặc biệt là mẹ anh, từng phản đối việc anh theo nghề, bởi một nỗi lo rằng: nghệ thuật là con đường bấp bênh, khó đoán. Những sự nghi hoặc ấy khiến anh mệt mỏi, nhưng như anh nói, lựa chọn nào trong đời cũng mang theo vướng mắc; quan trọng là mình có quyết tâm đi đến cùng với nó hay không. Và trong trường hợp của anh, sự quyết tâm ấy ngày càng rõ khi anh bước sâu hơn vào con đường sơn mài này.

Nghĩ về tương lai, Linh không nói đến những mục tiêu lớn lao hay những cột mốc vang dội. Với anh, điều ý nghĩa nhất là được nhìn lại một quãng đường dài và thấy mình đã thực sự sống hết mình trong hành trình đó. “Nếu mười năm nữa tôi có thể để lại được, ví dụ như một nghìn bức tranh, thì có lẽ đó cũng là một thành tựu rồi”,
anh nói.

Nhưng để đi xa như thế, bản thân sơn mài, với tư cách là một nghề nghiệp, cũng cần một nền tảng vững vàng hơn hiện tại. Linh nhìn vào sơn mài Việt Nam với cảm xúc vừa hy vọng vừa lo lắng. Anh vui khi thấy lớp trẻ bắt đầu tò mò hơn, hiểu hơn, không còn xem sơn mài như một thứ “đồ lưu niệm”; nhưng anh cũng thấy những khoảng trống mà bất cứ ai theo nghề đều nhận ra: thiếu hệ thống kiến thức bài bản và thiếu sự tiêu chuẩn hóa. Với Linh, truyền thống không thể sống nếu chỉ được “bảo tồn” hay được “cóp nhặt” từ chỗ này chỗ kia, mà còn cần phải được “phát huy”. Và để làm được điều đó, nó phải được hiểu rõ từ gốc rễ, được sắp xếp lại, rồi từ đó mới có thể mở rộng theo những cách thức phù hợp hơn với thời đại.

Dù có thể suy nghĩ rất nhiều về nghề, về chất liệu, về những thiếu hụt của hệ thống hay tương lai của sơn mài Việt Nam như vậy, nhưng cuối cùng, khi khép cửa phòng vẽ, anh lại trở về với một điều giản dị: ngồi xuống trước tấm vóc. Ở đó, mọi lo lắng và dự tính đều lặng đi, nhường chỗ cho nhịp thở của sơn, cho tiếng mài, cho cảm giác thời gian chậm lại trong từng động tác. Sau ba năm chuyên tâm vẽ tranh, mong muốn của anh cũng giản dị như chính nhịp làm việc ấy: mỗi năm có thể tổ chức một đến hai buổi triển lãm và trưng bày tranh của mình, còn lại là dành cho việc vẽ.

Có lẽ hình ảnh ấy giúp lý giải vì sao hành trình của hoạ sĩ Tào Tuấn Linh trở nên đặc biệt: sau khi đi qua nhiều thế giới khác nhau, anh đã chọn dừng lại trước sơn mài. Trong một thời đại nơi mọi thứ có thể “undo”, nơi hình ảnh được tạo ra và xoá đi trong tích tắc, việc kiên nhẫn và chấp nhận sự không thể sửa, chấp nhận cái rủi ro của từng lớp mài, từng đường vẽ, tự điều ấy đã là một lựa chọn đi ngược dòng.

Và cũng chính sự đi ngược dòng ấy giúp anh hiểu ra một điều rằng: nghệ thuật đôi khi không nằm ở chỗ chạy thật nhanh, mà nằm ở chính khoảnh khắc ta dừng lại, dừng lại trước tấm vóc, trước chất liệu, trước bản thân mình, để nhận ra điều gì thật sự đáng được giữ lại.

Vẽ để giữ cho bàn tay không nguội lạnh, giữ cho cảm xúc không vơi đi, và giữ cho nghệ thuật phần hồn nhiên mà anh tin là thứ dễ bị đánh mất nhất khi người ta trưởng thành.

BÀI VIẾT: LÁ THU VÀNG | ẢNH: MÂY | DESIGN: LÂM HƯƠNG | BIÊN TẬP: LÁ THU VÀNG | WEB: LONG3020

BÀI VIẾT LIÊN QUAN

"NGỠ ĐÔNG": CUỘC TAO NGỘ CỦA BẢY NGHỆ SĨ TẠO HÌNH THỊ GIÁC , SỰ KIỆN Nhân dịp đầu năm 2026, triển lãm “Ngỡ Đông” giới thiệu các tác phẩm của bảy nghệ sĩ tạo hình tại 16 Ngô Quyền, Hà Nội. Với sơn mài là chất liệu chủ đạo, bên cạnh sơn dầu và điêu khắc, triển lãm mang đến một không gian thưởng lãm giàu cảm xúc, gợi nhiều suy ngẫm về sự tinh tế của nghệ thuật tạo hình.

NỖI ĐAU LÀ CHẤT LIỆU CỦA NGHỆ THUẬT CẢM HỨNG , GÓC NHÌN Nếu nghệ thuật không sinh ra từ tự do, mà từ nỗi đau, thì sao? Nếu sáng tạo không phải là cách trốn chạy khỏi tổn thương, mà là một hình thức đối diện, thì liệu nỗi đau có còn chỉ là thứ con người cần sợ hãi và né tránh?

ẾCH ỘP: LÀM NGHỆ THUẬT ĐỂ VUỐT VE CÁI TÔI , THỊ GIÁC Nguyễn Duy Hưng, hay Ếch Ộp, 26 tuổi, là một họa sĩ truyện tranh tại Hà Nội. Anh được biết đến qua những tác phẩm truyện tranh dí dỏm và châm biếm đăng tải trên các nền tảng mạng xã hội, vừa gần gũi với đời sống vừa thể hiện cái tôi nghệ sĩ riêng biệt.

KARASU-ZOKU - NHỮNG CON QUẠ ĐEN TỪNG PHỦ BÓNG THỜI TRANG NHẬT BẢN TƯ LIỆU , THỜI TRANG Từng gây chấn động vào thập niên 1980, Karasu-zoku - “bộ lạc quạ” - là một tiểu văn hóa thời trang Nhật Bản gắn liền với những bộ trang phục đen toàn thân, phom dáng phi giới tính và tinh thần chống lại chuẩn mực thẩm mỹ đương thời. Bị chế giễu, bị hiểu lầm, thậm chí bị xem là phản xã hội, phong trào này vẫn để lại một di sản sâu sắc, âm ỉ ảnh hưởng tới thời trang cao cấp và đường phố cho đến hôm nay.

VINCENT VAN GOGH: MẤT CÁI TAI LÓ CÁI TÀI TƯ LIỆU , THỊ GIÁC Đêm 23/12/1888, trong căn nhà vàng ở Arles (Pháp), Vincent van Gogh tự cắt đi một phần tai trái của mình. Hành động gây sốc ấy nhanh chóng vượt ra khỏi phạm vi đời tư, trở thành giai thoại nổi tiếng nhất trong lịch sử nghệ thuật hiện đại.

GRAFFITI: NHỮNG BỨC TƯỜNG BIẾT NÓI VĂN HÓA , THỊ GIÁC Graffiti trong các đô thị thường bị gắn với sự nổi loạn, bị xem là hành vi phá hoại và là thứ cần bị xóa sổ khỏi diện mạo thành phố. Nhưng dưới lăng kính cởi mở hơn, những bức tường chằng chịt nét vẽ tưởng như hỗn loạn ấy còn mang theo vô vàn câu chuyện về nghệ thuật, nơi con người thể hiện suy nghĩ, phản kháng và khẳng định bản sắc cá nhân trong không gian sống chung của cộng đồng.

THỜI TRANG GOTHIC: LÃNG MẠN VÀ ĐEN TỐI VĂN HÓA , THỜI TRANG Trong thị trường thời trang luôn chuyển động nhanh chóng dựa trên xu hướng, Gothic dường như tồn tại như một ngoại lệ. Thời trang Gothic là một trong những dòng chảy thời trang giàu tính văn hóa nhất - nơi cái đẹp được xây dựng từ bóng tối và tính lãng mạn.

CÁI ĐẸP MONG MANH CỦA LỌNG BƯỚM TƯ LIỆU , VĂN HÓA Lọng bướm - một di vật thẩm mỹ của thời Nguyễn mang vẻ đẹp mong manh tựa cánh bướm không chỉ là vật dụng truyền thống để che nắng, mà còn hiện diện như một vật trang trí, một lời chúc tụng, một biểu tượng gửi gắm ước vọng về trường thọ, bình an và phúc lành trong đời sống người Việt xưa.

AI CŨNG YÊU NGHỆ THUẬT NHƯNG MẤY AI DÁM SỐNG BẰNG NÓ? CUỘC SỐNG , GÓC NHÌN Chúng ta vẫn nói về nghệ thuật bằng tất cả sự trân trọng: như ký ức, như bản sắc, như phần đẹp đẽ nhất của đời sống tinh thần. Nghệ thuật hiện diện ở khắp nơi, nhưng tình yêu ấy thường chỉ bền vững khi nghệ thuật đứng ở vị trí của một vẻ đẹp bên lề.

AUDREY HEPBURN: ÁNH SAO TRONG TRO TÀN THẾ CHIẾN CẢM HỨNG , ĐIỆN ẢNH Ít có câu chuyện nào sau ánh đèn sân khấu lại để lại nhiều suy ngẫm như hành trình cuộc đời của Audrey Hepburn - thiếu nữ lớn lên giữa đói khát và chiến tranh, để rồi trở thành biểu tượng của vẻ đẹp, lòng nhân ái và sự thanh lịch trên sân khấu Hollywood hào nhoáng.

KHỔNG TƯỚC DƯƠNG LỆ BÌNH CẢM HỨNG , THỊ GIÁC , SỰ KIỆN Trong hơn bốn thập kỷ, Dương Lệ Bình không chỉ múa mà còn sống như một vũ công và tạo nên ảnh hưởng sâu rộng tới tư duy thẩm mỹ trong nghệ thuật múa đương đại Trung Hoa. Con đường của bà không bắt đầu từ kỹ thuật, mà từ sự quan sát tỉ mỉ những rung cảm thiên nhiên.

THỜI TRANG - TUYÊN NGÔN CỦA NỮ QUYỀN HIỆN ĐẠI TƯ LIỆU , THỜI TRANG Khi nói về nữ quyền, người ta thường nghĩ đến luật pháp, phong trào xã hội hay những cuộc tranh luận chính trị công khai. Thế nhưng, song song với các mặt trận ấy, luôn tồn tại một không gian ít được gọi tên như một “đấu trường quyền lực”: thời trang.

HUYỀN THOẠI THỜI TRANG VALENTINO GARAVANI QUA ĐỜI Ở TUỔI 93 THỜI TRANG Nhà thiết kế Italy Valentino Garavani - người sáng lập đế chế thời trang mang tên mình và là cha đẻ của “sắc đỏ Valentino” huyền thoại - đã qua đời ở tuổi 93 tại Rome.

LUDWIG VAN BEETHOVEN: TIẾNG VANG VĨ ĐẠI ĐẾN TỪ SỰ TĨNH LẶNG CẢM HỨNG , TƯ LIỆU , ÂM NHẠC Số phận đầy rẫy trắc trở của Ludwig van Beethoven đã biến ông trở thành một biểu tượng truyền cảm hứng vượt thời gian. Từ cuộc đời của ông, hậu thế thấy được lời khẳng định rằng sức mạnh nội tại có thể giúp con người không chỉ sống tiếp mà còn có thể sống một cuộc đời ngoạn mục dù cho có mất đi mọi thứ.

NHẠC CỦA NHI: NGÔN NGỮ GIỮA HAI MIỀN VĂN HOÁ ÂM NHẠC Lớn lên tại Hà Nội cùng những giai điệu nhạc Việt nhưng lại trưởng thành trong không gian nghệ thuật phóng khoáng đượm màu sắc phương Tây tại Paris, âm nhạc của NHI đượm hơi thở nghệ thuật rất riêng đầy thú vị mang vẻ đẹp đa cảm, đa văn hoá và đa ngôn ngữ.